Romanticismo

El Romanticismo fue un movimiento cultural y político que se originó en Europa a finales del siglo XVIII como una reacción al racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su rasgo revolucionario es incuestionable. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición, con el orden y con la jerarquía de valores culturales y sociales imperantes. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.
Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX, 
extendiéndose desde Alemania a Inglaterra, Francia, Italia, España, Rusia, Polonia, Estados Unidos y las recién nacidas repúblicas hispanoamericanas. Posteriormente, se fragmentó o transformó en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, subsumidas en la denominación general de Post-romanticismo, una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano y español. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, el arte y la música. 

La arquitectura

El estilo arquitectónico que caracteriza el período estudiado es el llamado Clasicismo Romántico, aparecido en Inglaterra y Francia desde mediados del siglo XVIII y que había sido presagiado en la obra de G.B. Piranesi.

Los primeros cultivadores de esta tendencia fueron los cuatro arquitectos ‘revolucionarios’ que Peter Collins considera los verdaderos precursores de la Arquitectura moderna: John Soane (1753-1857): Principal representante del ‘Clasicismo Romántico’ en Inglaterra. Su estilo se inspira en la obra de Vanbrugh y Hawksmoor, de quienes heredó el eclecticismo –o ‘indiferentismo’ estilístico-, la pasión por la arqueología y la búsqueda deliberada de efectos escultóricos o pictóricos, así como en sus contemporáneos Ledoux y Dance. Manifiesta un gusto lúgubre por las paredes blancas, sin ventanas, y, como Piranesi, por los sarcófagos.Etienne-Louis Boulle (1728-1799): Arquitecto ‘revolucionario’ por antonomasia. Despreció sistemáticamente a los maestros de la Antigüedad ; desdeñaba limitar su imaginación a lo que fuese construible y cómodo (de hecho, algunos de sus proyectos no hubieran podido ser construidos con los materiales y técnicas de la época). Construyó poco, y se dedicó principalmente a la enseñanza. Claude-Nicholas Ledoux(1736-1806): Discípulo de Boullée. Efectos teatrales con masas esféricas y cúbicas. Gusto por las paredes blancas.Jean-Louis Durand (1760-1834): 

 

La pintura

En contrapocisión a la pintura del siglo XVIII, respetuosa de los cánones clásicos, la del siglo XIX baso la  creación artística en el sentimiento y exalto hasta el paroxismo la locura o la soledad. El amor, el oído y la desespeación ocuparón un lugar preferente en el alma del pintor romántico y, para remediar estos males, la muerte o el suicidio fueron a menudo la única solución.

Los artistas decimonónicos descubrieron, tal vez a causa de Goya, la brutalidad  de la guerra y sus terribles secuelas. La intensidad de la acción y la violencia reemplazaron a la sobriedad y mesura que eran propias del periodo precedente.

El paisaje, al llegar el romanticismo, dejo de ser real y se lleno de misterio. Frecuentemente se convirtió en escenario ideal para la intervención de princesas encantadas e incluso del diablo y, ante estas naturalezas omnipotentes, el hombre apareció estremecido e indefenso.

 

ESCULTURA

El corto periodo romántico en escultura responde a encargos oficiales para embellecer edificios o erigir monumentos conmemorativos. A diferencia de lo que sucede en pintura, se caracteriza por la falta de carácter y la desorientación. Es una época de transición, que alterna elementos clasicistas con otros criterios que desembocarán en un nuevo realismo.

Francia

Durante el siglo XIX Paris, se convierte en la capital artística. En Francia tienen gran protagonismo los salones de exposiciones porque en ellos se mide el grado de aceptación de los artistas. Estos se esforzaban en presentar obras de gran calidad que sorprenderán al público.

El arteEl arte neoclásico neoEl arte neoclásico

Surge, a mediados del siglo XVIII pero se mantiene,

junto con otras tendencias, a lo largo del siglo X

IX.

Los centros principales serán Roma y París.

Reacción clasicista frente al Barroco favorecida po

r la Ilustración. Es un intento de

someter la creación

artística a reglas racionales y de elaborar modelos

de validez universal

: por ello, carece de fuerza creadora y

resulta un arte de escasa originalidad

. Su aceptación popular fue mínima.

Algunos factores contribuyen a su desarrollo:

•

Las publicaciones de los tratadistas preconizando el ideal griego como punto de partida de toda

belleza, defendiendo un retorno a las fuentes de la

Antigüedad. Hay que destacar la obra de

Winckelmann, “Historia del arte de la Antigüedad”.

•

Las excavaciones de Herculano (1719) y Pompeya (174

8).

•

Las expediciones arqueológicas inglesas a Grecia.

•

La creación de las Reales Academias

que dirigen la estética de su tiempo de acuerdo con una

normativa clásica.

•

Se refiere especialmente a la arquitectura aunque sin olvidar totalmente la escultura y la pintura.

 ARQUITECTURA

Reacción contra los efectos decorativos del Barroco

y del Rococó.

Se inspira en los monumentos clásicos, pero no es u

na copia de los mismos sino que los recrea.

Es una arquitectura erudita y racional. Representa

un concepto de belleza basado en la pureza de las l

íneas

arquitectónicas, en las formas geométricas claras,

en la medida clásica. Frente al subjetivismo barroc

o se opone la

objetividad de la belleza basada en la racionalidad

.

Gusto por la sencillez y severidad: predomina lo ar

quitectónico sobre lo decorativo. Para Winckelmann

la

belleza de los edificios radica en su monumentalida

d, simetría, proporciones sujetas a las leyes de la

medida y de las

matemáticas.

Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica

: las columnas, los órdenes especialmente el dórico

y el

jónico, los frontones, las bóvedas y cúpulas, etc.

Los temas decorativos también son tomados de la ant

igüedad: guirnaldas, rosetas, ovas, meandros.

El edificio clásico más empleado como modelo por el

arte neoclásico es el templo griego, especialmente

el

pórtico y el frontón, que se emplean incluso como m

odelo de las construcciones civiles.

A pesar de sus preferencias por los modelos griegos

rompen con el “antropocentrismo" de estos y tiende

n a

la monumentalidad romana.

Las construcciones son, principalmente, de carácter

civil: museos, academias, bibliotecas.

El urbanismo busca los trazados geométricos, de dam

ero o estrellados, con amplias avenidas y plazas. E

n la

ciudad, zonas verdes.

Dentro de la arquitectura neoclásica se pueden estu

diar dos tipos:

Una arquitectura que sigue siendo básicamente barro

ca en cuanto a la exaltación del poder, pero que

simplifica sus elementos. Es el llamado

"barroco vitrubiano"

y es la más extendida por Europa e incluso por

Estados Unidos.

La

"arquitectura de la razón"

, preocupada por la adecuación entre funcionalidad

y forma. Se huye de todo

tipo de decoración. Se planean obras de tipo prácti

co o industrial en relación con los cambios económi

cos y sociales:

bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, cementeri

os, hospitales. Es considerada como la más propiamente

neoclásica

ESCULTURA

.

Predomina la racionalidad de la expresión serena y

sosegada sobre la irracionalidad de lo impetuoso. I

mita

el estilo de los grandes escultores de la Antigüeda

d, principalmente de los griegos. Se toman como mod

elos los

temas clásicos porque quieren razonar intelectualme

nte sobre la belleza.

Frente al realismo y expresionismo de la escultura

barroca se oponen la serenidad y belleza de la esc

ultura

clásica: hay una reacción contra los efectos pictór

icos, la teatralidad y el movimiento desbordado del

Barroco

.

Los artistas neoclásicos procuran plasmar formas co

rrectas, ideales; existe una tendencia a destacar l

a

forma para valorar el contorno y la belleza formal

de las figuras y objetos; se evitan los fuertes con

trastes de

claroscuro; se dota a la representación de un model

ado suave y de un acabado pulido y homogéneo.

En general, interesó más la belleza puramente forma

l que la fuerza espiritual de la obra. Por eso caen

en la

frialdad y en la excesiva uniformidad

.

Materiales preferidos: mármol blanco y bronce. Prin

cipales manifestaciones: grupos escultóricos,

ornamentación de edificios públicos, monumentos con

memorativos, monumentos funerarios, retratos, etc.

PINTURA.

Triunfa a finales del siglo XVIII favorecido por lo

s principios éticos propugnados por los enciclopedistas

que atacaban el carácter artificioso de muchas de l

as obras del Rococó.

Al no contar con restos pictóricos de la antigüedad

grecorromana, el Neoclasicismo se inspira en la

escultura, en especial en los relieves, lo que dota

rá de un marcado carácter escultórico a las representaciones

pictóricas neoclásicas.

Predomina el dibujo academicista sobre el color. Luz clara y difusa. La base de la belleza es la armonía de

las proporciones y de las líneas. Los principales temas serán: retratos, mitológicos, cuadros de historia.

Arte Rococó
El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.
Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.
 Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.
Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

Arquitectura Rococó

El rococó en España se inicia durante el reinado de Felipe V (1700-1746), favorecido por el estilo churrigueresco, que había llevado al barroco al recargamiento ornamental. Su influjo fue limitado, ya que fueron muy pocos los contactos que España mantuvo con el rococó europeo y especialmente con Francia y Alemania.
El ejemplo más temprano de arquitectura rococó es la portada de la catedral de Valencia, realizada por el alemán Conrad Rudolf. Dividida en tres cuerpos y coronada con un frontón curvo, alterna el ritmo cóncavo en sus calles laterales con el ritmo convexo en la central.
La fachada del palacio del marqués de Dos Aguas, diseñada por Hipólito Rovira se compone de dos partes bien diferenciadas y separadas por el escudo del marqués. En la parte inferior, se describe la alegoría de los dos ríos valencianos, el Turia y el Júcar, y en la superior, aparece una hornacina que alberga una escultura de la Virgen con el Niño. Una movida decoración de inspiración vegetal recorre toda la fachada.
 

Pintura Rococó

En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret.
Luis Paret y Alcázar (1746-1799) pintó escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto decorativo que lo convierten en el representante más importante de la pintura rococó en española.
Entre sus pinturas destacan El baile de las máscaras, Las Parejas Reales o Fiesta en el Jardín Botánico. Para Carlos III también realizó una serie de vistas de puertos y marinas del Cantábrico 
.

Escultura Rococó

Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.
Su origen se encuentra en el ambiente aristocrático y refinado de la Francia del regente duque de Orleáns. Este estilo fue expresado mediante la delicada escultura de porcelana.

Los motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, a si como la naturaleza y las líneas curvas y asimétricas.

Arte Barroco
 El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso.

El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.

ARQUITECTURA.

Como ya se ha dicho, frente a la armonía, equilibrio y sentido estático renacentistas, se impone ahora el gusto por los contrastes, ya sean cromáticos, utilizando diferentes materiales: ladrillo, piedra, mármol, bronce... o lumínicos, alternando zonas oscuras con otras fuertemente iluminadas. Pero sobre todo predomina el interés por el movimiento, en plantas, alzados, o en los propios elementos aislados.
Las plantas pierden ahora sus formas tradicionales, siendo ahora ovales, mixtilíneas... los muros se quiebran y ondulan, se rompen frontones y entablamentos, se retuercen las columnas, es el momento del apogeo de lo curvo, de los constantes entrantes y salientes, de la columna salomónica, de lo caprichoso e inestable.

Escultura Barroca 

Gregorio Fernández (1576-1639)
De origen gallego, se instaló en Valladolid donde creó un taller con numerosos seguidores. A través de la anatomía intenta revelar la vida interior de sus personajes. Las cabezas son enormemente expresivas. Los ropajes, de formas quebradas y ricas en claroscuro, intensifican su expresión.
En la larga serie de Cristos Yacentes se aprecia la evolución de su estilo, transformando las dulces formas manieristas en otras más naturalistas. Ejemplo, El Cristo Yacente del Pardo.
El Cristo de la Luz de la capilla de la Universidad de Valladolid muestra ya un gran realismo dramático.



Realizó Vírgenes Dolorosas y también trató el tema de la Inmaculada, como las que realizó para San Francisco de Valladolid o la de San Esteban de Salamanca.
Trabajó en grandes retablos que suponen la ejecución de numerosas estatuas y relieves, como el Retablo Mayor de la Iglesia de San Miguel de Vitoria o el retablo del Convento de las Huelgas en Valladolid.
Impulsó el género procesional con varios grupos para los Pasos de Semana Santa. En ellos la composición intenta conjugar las actitudes de las diferentes figuras, logrando atrevidas visuales de escorzo y de abajo a arriba. Ejemplos: el paso Tengo Sed o el del Descendimiento.

 LA PINTURA BARROCA: El lenguaje de la pintura barroca.
Una aproximación a las características generales.
   El interés persuasivo de la iglesia católica (nacido del espíritu del Concilio de Trento), los intereses propagandísticos y políticos de la monarquía absoluta y la valoración de la burguesía protestante de lo individual y lo cotidiano, determinan la principal cualidad de la pintura barroca: su vinculación a la realidad. Esta vinculación es también consecuencia de una evolución estilística: cuando en los últimos años del siglo XVI la justificación puramente estética y el consciente antinaturalismo del manierismo, agotan sus cauces expresivos, los artistas barrocos usan la novedad formal plasmando en sus obras aquello que el manierismo rechazaba: la realidad y la naturaleza.

Debido a la variedad nacional y al independiente desarrollo de las escuelas pictóricas, no son muchas las notas comunes que caracterizan a la pintura barroca, no obstante, podemos señalar las siguientes:

- Realismo. Se buscan los modelos de la naturaleza, sin proceder a su idealización, incluso llegando al naturalismo. La preocupación por la representación del estado psicológico, de los sentimientos o afecti (dolor, alegría), está en la línea de esta representación naturalista de la realidad.
- Predominio del color sobre el dibujo. En los grandes maestros las manchas son las definidoras de las formas (Velázquez o Rembrandt). Se pintan las cosas como se ven en la realidad, con manchas de color y luz, perdiéndose los detalles y con el contorno no precisado.
- Profundidad continua. Se abandona el rigor de la perspectiva lineal para la representación del espacio y de la profundidad. Para obtener la sensación de profundidad los procedimientos utilizados pueden ser líneas convergentes, series de escorzos, un primer plano desmesurado, un primer plano oscuro, juegos de luces, plasmación de efectos atmosféricos, etc.
- Hegemonía de la luz. Se abandona el esfumato de Leonardo, para pasar a planos de luz y sombras donde las formas se dibujan con gran precisión. El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz y, en correlación, la sombra juega un papel hasta entonces inédito, especialmente en los primeros ensayos del estilo que han venido a denominarse Tenebrismo. En el Barroco la forma se subordina a la luz, y, en algunas ocasiones, las formas pueden desvanecerse por debilidad o intensidad del centelleo luminoso.
- Libertad en la composición: predominan las composiciones asimétricas y atectónicas. La tendencia instintiva a colocar la figura principal en medio y a pintar dos mitades de telas semejantes (simetría) se pierde; de la misma manera que se desecha la malla de horizontales y verticales del arte clásico (composición tectónica). Se prefiere todo aquello que muestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá de los límites del marco.

La incredulidad de Santo Tomás. 1601-02. Caravagio.

Óleo sobre lienzo , 107 x 146 cm. Sanssouci, Potsdam (Alemania)

ARTE MANIERISTA

Dándo al término una acepción histórica, manierismo es el período artístico que va desde 1515 hasta 1610 en toda Europa. Se representan temas religiosos con lirismo y fervor, temas mitológicos, que permiten expresar mejor ciertos sentimientos propios de la época, y temas alegóricos que ejemplifican los hechos históricos. El arte manierista es cortesano, intelectual y teatral.

Se caracteriza, en su estado más puro, por composiciones en las que se rompe el equilibrio, líneas diagonales quebradas, espacios inestables, estilizamiento de los cuerpos, con cabezas pequeñas y extremidades desproporcionadas, que ocupan todo el cuadro y que contrastan con otras pequeñas figuras en la lejanía, audaces escorzos. Gusta la línea enroscada, los colores de tintas discordantes y efectos extraños de luz. Los paisajes son irreales.

Alfredo Valenzuela Puelma

pequeño almirante

 

 Leccion de geografia

LA ESCULTURA MANIERISTA: EL RAPTO DE LA SABINA (GIAMBOLOGNA) 

El rapto de la sabina. Giambologna, 1582.
Mármol blanco. 4.10 m. Logia dei Lanci (Florencia). Italia.

 La obra constituye un grupo escultórico exento, que mide 410 cm de altura; está realizado en un solo bloque de mármol blanco, mediante la técnica de la talla y, posteriormente, pulido. El grupo lo componen tres personajes desnudos: un hombre joven (un romano) que levanta por encima de su cabeza a una mujer (la sabina) que parece querer desprenderse de su secuestrador, mientras, atrapado entre las piernas del joven, se encuentra un hombre mayor, (el padre de la joven) con evidentes muestras de desesperación e impotencia. Las tres figuras se hallan profundamente entrelazadas, tanto por la acción que desarrollan individualmente como por la escena que componen entre ellas.

 

 ARQUITECTURA MANIERISTA

 La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura renacentista que se extiende entre el final de la arquitectura renacentista y el comienzo de la arquitectura barroca.

artes de estilo artistico

arte manierista 
Estilo artístico que surgió en Italia a comienzos del s. xvi, entre el Renacimiento y el Barroco, y que se caracteriza por su refinamiento, elegancia y excentricidad.

arte barroco (español)
Barroco español o Barroco en España es un concepto de la historiografía del arte, de la literatura y de la música, y genéricamente de la historia de la cultura, que se utiliza para clasificar y definir las manifestaciones culturales de la época del Barroco localizadas en España.

arte del estilo de rococo
El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.

arte neoclasico 
Se llama Neoclásico al estilo artístico que se desarrolló, fundamentalmente en Europa y Estados Unidos, durante la segunda mitad del siglo XVIII y las dos primeras décadas del XIX. 

arte del romanticismo
 fue un movimiento cultural y político que se originó en Europa a finales del siglo XVIII como una reacción al racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su rasgo revolucionario es incuestionable.